Произведения искусства античности примеры. Античное искусство в стиле архитектуры и интерьера

АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО

Античное искусство - это искусство Древней Греции и Древнего Рима, художественная культура рабовладельческого общества, существовавшего в бассейне Средиземного моря с начала I тысячелетия до н. э. по V в. н. э.

Понятие «античное искусство» впервые появилось в XV в. в Италии, когда в борьбе с тысячелетней церковной традицией Средневековья утверждалась новая, пронизанная верой в красоту и ценность человека культура эпохи Возрождения. Ее создатели обратились к прекрасным творениям Древней Греции и Древнего Рима. Эту великую цивилизацию древнего мира они назвали античной (от латинского слова «антиквус» - «древний»). Впоследствии термин «античное искусство» прочно вошел в европейскую культуру. Шедевры, созданные талантливыми мастерами античного мира, на протяжении нескольких столетий вдохновляли поэтов, композиторов, драматургов и художников всех стран Европы.

Художественное наследие Древней Греции и Древнего Рима - архитектура, скульптура, живопись, декоративно-прикладное и ювелирное искусство - поражает своим богатством и многообразием. В нем ярко выразились эстетические представления, нравственные идеалы и вкусы, характерные для античной рабовладельческой цивилизации, завершившей многовековую историю древнего мира.

Творцами античной культуры были древние греки, называвшие себя эллинами, а свою страну - Элладой. Однако еще до рождения греческой культуры в Восточном Средиземноморье в III-II тысячелетиях до н. э. существовала ее предшественница - эгейская цивилизация, наиболее значительными центрами которой были легендарная Троя, воспетая великим греческим поэтом Гомером в «Илиаде», остров Крит и «златообильный» город Микены на полуострове Пелопоннес.

Открытие этой цивилизации - одно из наиболее выдающихся достижений археологии конца XIX- начала XX в. На месте древней столицы Крита - города Кноса - ученые раскопали руины величественного дворца, который эллинские мифы называли Лабиринтом. Построенный около 1600 г. до н. э. на вершине невысокого холма, он занимал площадь 120х120 м. Планировка дворца критских владык не знает грандиозной монументальности и строгой симметрии, свойственной архитектурным памятникам Древнего Египта и Древнего Двуречья. Характерная его черта - свободное расположение многочисленных комнат, апартаментов и парадных зал, продуманная связь с окружающим пейзажем. Центральное место в огромном трехэтажном комплексе Кносского дворца занимал обширный открытый внутренний двор, где происходили религиозные церемонии и ритуальные игры. Сверху донизу здание прорезали лестничные клетки, служившие световыми колодцами, с большим мастерством была устроена сложная система канализации. Высокого расцвета достигли на Крите торевтика, искусство вазописи и фресковая живопись. Росписи в залах Кносского дворца запечатлели красочные процессии людей, театральные представления, пиршества и танцы на лоне природы. Отсутствие канонов, сочетание условности с правдивым и поэтическим изображением природы, праздничная нарядность и виртуозное техническое совершенство - все это отличает произведения критских мастеров от современного им искусства цивилизаций Древнего Востока.

Развитие критской культуры оборвала внезапная катастрофа - гигантское извержение вулкана на острове Фера, неподалеку от Крита. Чудовищные волны опустошили побережье острова, землетрясения разрушили его города. Воспользовавшись этим, в XIV в. до н. э. Крит захватили греки-ахейцы. В дальнейшем слава Крита померкла и ведущее положение в эгейском мире перешло к раннерабовладельческим государствам Южной Греции, наиболее влиятельным среди которых были Микены.

Искусство этих государств, существовавших в XVII-XIII вв. до н. э., во многом близко Криту, но в то же время оно обладало и чертами самобытности. Свои поселения греки-ахейцы в отличие от критян, чьи города защищало море, устраивали на высоких холмах, окружая их кольцом мощных крепостных стен. Особенно впечатляют сохранившиеся до наших дней стены Микен и Тиринфа, сложенные насухо из громадных каменных глыб. Впоследствии такие поселения получили у греков название «акрополь» - «верхний город», а дворцы микенских царей стали прообразами эллинских храмов.

В гробницах микенских царей немецкий археолог Г. Шлиман обнаружил великолепные произведения торевтики - искусства художественной обработки металла: парадные доспехи и драгоценные кубки, кинжалы с рельефными изображениями и золотые маски, закрывавшие головы умерших. Одну из них, наиболее выразительную, Шлиман счел маской Агамемнона, ошибочно полагая, что в этой «шахтовой» гробнице покоился знаменитый предводитель похода греков-ахейцев на Трою

Немецкий археолог-самоучка Генрих Шлиман посвятил свою жизнь поискам легендарной Трои Гомера.
делал скоропалительные глобальные выводы на основе своих находок.

Немецкий археолог-самоучка Генрих Шлиман посвятил свою жизнь поискам легендарной Трои Гомера.
В ходе раскопок он сделал много ценных открытий, но, будучи дилетантом,
делал скоропалительные глобальные выводы на основе своих находок.

В середине XII в. до н. э., сто лет спустя после событий Троянской войны, государства ахейцев были завоеваны вторгшимися из северных областей Балканского полуострова племенами греков-дорийцев. С их приходом завершается история эгейской цивилизации и начинается подлинная история античной культуры. Завоеватели восприняли религиозно-мифологические представления ахейцев, некоторые навыки и традиции, но в целом они стояли на более низкой ступени общественного развития. Потребовалось более трех столетий для того, чтобы на земле Древней Эллады созрело классовое общество и возникли рабовладельческие города-государства. В VIII-VI вв. до н. э. в этих городах, расположенных на Балканском полуострове, островах Эгейского моря и побережье Малой Азии, зарождается наука, основные жанры художественной литературы, искусство театра, складываются предпосылки для блестящего расцвета архитектуры и изобразительного искусства. Первые храмы и первые статуи из камня появились здесь еще в VII в. до н. э.

В процессе развития зодчества эллинские мастера разработали строго продуманную и логически обоснованную систему соотношений между несущими и несомыми частями здания. Эта система получила название ордера от латинского слова «ордо»- «строй», «порядок». Строгий и величественный храм прямоугольной формы, окруженный со всех сторон колоннами, стал основным типом общественного здания в античной архитектуре XV-XIX вв. Зодчие Древней Греции использовали три ордера - дорический, ионический и коринфский. Первый из них отличался наиболее простыми и мощными формами, два других тяготели к стройности пропорций и повышенной декоративности.

Иктин и Калликрат. Парфенон (храм Афины Парфенос) на Афинском акрополе.
447- 438 до н. э.

Среди лучших образцов дорического ордера - храм богини Геры, построенный в V в. до н. э. в одной из колоний, основанных купцами и мореходами на юге Италии. В самом облике этого монументального здания, в его удачно найденных пропорциях и строгом ритме колоннады образно воплотилась мысль о величии города-государства.

Храм Геры в Пестуме.
2-я четверть V в. до н. э.

В каждом из античных храмов устанавливалась статуя божества, покровителя города; перед храмом, на площади, происходили народные собрания, где обсуждались важнейшие вопросы общественной жизни. Величие архитектурного образа дополняли скульптурные украшения: рельефы на плитах - метопах в дорических храмах, сплошная лента фриза - в ионических, и многофигурные композиции, вписанные в треугольное поле фронтона и словно венчающие здание. Мастера Древней Греции успешно решали проблему синтеза, единства архитектуры и скульптуры - одну из сложнейших проблем, стоящих во все века перед искусством.

Расцвет науки, культуры и искусства Древней Греции в V в. до н. э. неразрывно связан с победой эллинов над персами в греко-персидских войнах и торжеством в Афинах и в союзных им городах рабовладельческой демократии - своеобразной политической системы, основанной на идее самого широкого участия свободных граждан в управлении государством. Один за другим вырастают в греческих городах прекрасные храмы, мраморные и бронзовые статуи украшают святилища, портики и общественные сооружения. В образах олимпийских богов и мифологических героев, которых эллины представляли как совершенных людей, в памятниках воинам, павшим на поле битвы, и атлетам, одержавшим победы на общегреческих состязаниях, в надгробных изображениях выдающихся полководцев, ораторов и политических деятелей скульпторы стремились раскрыть типически обобщенные черты идеально прекрасного и гармонически развитого человека-гражданина, доблестного воина и страстного патриота, человека, в котором красота атлетически тренированного тела сочетается с духовным благородством и нравственной чистотой.

Этот идеал формировала сама жизнь, полная войн и опасностей. Суровые тяготы походов и тяжесть доспехов требовали от каждого воина стойкости, выносливости и большой физической силы. Такие качества греки воспитывали с детства, поэтому во всех городах Древней Эллады уделяли большое внимание физическому воспитанию. Победители состязаний пользовались необычайным почетом. По древней традиции, юноши выступали на стадионах обнаженными, и десятки тысяч зрителей восхищались их атлетической красотой. Для скульпторов и мастеров греческой вазописи такие состязания, особенно знаменитые Олимпийские игры, стали отличной школой, где они изучали строение человеческого тела, соразмерность его пропорций, пластику движений.

Мастер Клеофрада. Два атлета с копьями. Краснофигурная амфора. Аттика.
Глина. Ок. 500 г. до н. э.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Мастер Клеофрада. Два атлета с копьями. Краснофигурная амфора. Аттика.
Глина. Ок. 500 г. до н. э./
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Если в VII-VI вв. до н. э. статуи обнаженных юношей сохраняли фронтальную неподвижность, застылость форм и строгую симметрию в построении фигуры, то в V в. до н. э. греческие мастера открыли приемы реалистически правдивого изображения человека в скульптуре. Статуи обрели пластическую свободу и жизненную убедительность. Замечательный афинский ваятель Мирон в статуе Дискобола сумел передать самый напряженный миг движения - момент перехода от размаха диска, к броску. Его герой представлен в состоянии максимального напряжения физических и духовных сил. В самой позе атлета, его жестах и движениях раскрывается способность человека к активному, волевому действию.

Мирон. Дискобол.
Середина V в. до н. э. Мраморная римская копия с греческого бронзового оригинала.
Национальный музей. Рим.

Мирон. Дискобол.
Середина V в. до н. э.
Мраморная римская копия с греческого бронзового оригинала.
Национальный музей. Рим.

Могучий юноша Дорифор (копьеносец), запечатленный скульптором Поликлетом, поражает пластическим совершенством, естественностью и непринужденностью позы. Мастер наглядно показал, каким прекрасным может и должен быть человек. Величайший скульптор Древней Эллады Фидий наиболее ярко воплотил эстетические идеалы своего времени в ансамбле храмов и статуй, украсивших высокую скалу, поднимавшуюся над городом,- Афинский акрополь. Последующие поколения высоко ценили памятники искусства V в. до н. э. и называли их образцовыми, классическими.

Круг Фидия. Всадники. Фрагмент западного фриза Парфенона.
V в. до н. э. Мрамор.
Британский музей. Лондон.

Традиции классического искусства сохранялись и в IV в. до н. э., в эпоху, когда обострились социальные конфликты, участились кровавые войны между городами и вся Греция попала под власть македонского царя. Однако драматические события общественной жизни не могли не сказаться в изобразительном искусстве. На смену классической простоте и ясности приходит более сложное понимание многообразия бытия, обостряется интерес к раскрытию душевного мира человека. Гениального скульптора Скопаса привлекали героические образы, полные могучей энергии и страстного напряжения. Афинянин Пракситель воспевал красоту человеческого тела, его стройность и изысканную грацию. Леохар прославился статуей бога света и искусства, известной всему миру как статуя Аполлона Бельведерского.

Леохар. Аполлон Бельведерский.
Мраморная римская копия с бронзового греческого оригинала. Около 340 до н.э.
Рим, Ватикан

Новый шаг в развитии реализма сделал Лисипп из города Сикиона. Его скульптурные образы поражают своей жизненностью, правдивостью.

Лисипп. Апоксиомен.
2-я половина IV в. до н. э.
Римская мраморная копия с бронзового греческого оригинала.
Музеи Ватикана. Рим.

Лисипп. Апоксиомен.
2-я половина IV в. до н. э. Римская мраморная копия с бронзового греческого оригинала.
Музеи Ватикана. Рим.

Голова Александра Македонского из Пергама.

Ок. 330 до н. э.
Археологический музей. Стамбул.

Голова Александра Македонского из Пергама.
Мраморная эллинистическая копия с оригинала.
Ок. 330 до н. э.
Археологический музей. Стамбул.

Три последних столетия существования греческой цивилизации получили название эпохи эллинизма. Это время отмечено возникновением и падением огромных государств, великими научными открытиями, первыми плодотворными контактами греческой культуры с тысячелетними цивилизациями Древнего Востока. Зодчие создают ансамбли новых городов с правильной планировкой. Скульпторы воплощают грандиозный пафос эпохи в таких памятниках, как например, знаменитая статуя богини победы Ники Самофракийской, пронизанная внутренней мощью и ликующим чувством торжества. Величайшим творением эллинистического искусства стал Пергамский алтарь, на рельефах которого запечатлена мифическая битва олимпийских богов с гигантами, сыновьями богини земли Геи.

Ника Самофракийская.
II в. до н. э. Мрамор.
Лувр. Париж.

Целый мир человеческих чувств сумели передать в своих образах создатели Пергамского алтаря. Возвышенной этической красотой и удивительным пластическим совершенством покоряет эллинистическая статуя богини любви и красоты - всемирно известная Венера Милосская (скульптор Александр). Глубочайший трагизм звучит в последнем аккорде греческого искусства, завершающем его историю,- скульптурной группе «Лаокоон и его сыновья, погибающие в тисках змей», которую исполнили в I в. до н. э. родосские мастера Агесандр, Полидор и Атенодор.

Александр. Венера Милосская.
Около 120 до н. э. Мрамор.
Лувр. Париж.

Наследником художественной культуры Древней Эллады стал рабовладельческий Рим, покоривший Грецию во II в. до н. э. Римляне, познакомившись с мифологией, наукой, литературой и театром Древней Греции, высоко оценили творческий гений эллинских зодчих и скульпторов. Недаром знаменитый римский поэт Гораций говорил, что «Греция, взятая в плен, победителей диких пленила, в Лаций суровый внеся искусство...». Однако Рим, прошедший за восемь столетий (с VIII по I в. до н. э.) путь от маленького, ничем не примечательного города до столицы громадного государства - Римской империи, не только воспринял лучшие достижения искусства народов Ближнего Востока и Средиземноморья. Римляне внесли свой вклад в художественную культуру древнего мира.

Еще в эпоху существования Римской республики (V-I вв. до н. э.) римляне построили великолепные дороги, мосты и водопроводы, первыми стали использовать в строительстве прочный и водонепроницаемый материал - римский бетон, создали и усовершенствовали особую систему сооружения больших общественных зданий из кирпича и бетона, широко применяли наряду с греческими ордерами такие архитектурные формы, как арка, свод и купол.

Странствующие музыканты. Мозаика из виллы Цицерона в Помпеях.
I в. до н. э.

Во II-I вв. до н. э. в Риме сложилось и своеобразное искусство скульптурного портрета, у истоков которого стоял обычай почитания умерших предков и связанная с ним традиция снимать с лица покойного гипсовую или восковую маску, точно фиксировавшую облик умершего. Подчеркнутый интерес к человеческой личности, характерный для культуры Древнего Рима, а также предоставленное должностным лицам право воздвигать свои статуи на форуме - главной площади «вечного» города - немало способствовали развитию реалистического скульптурного портрета.

Портрет императора Каракаллы.
Ок. 215.
Национальный археологический музей. Неаполь.

С установлением Римской империи (I- V вв. н. э.) перед искусством была поставлена задача возвеличивания личности правителя и прославления его власти. Создаются бесчисленные монументы римских императоров I-II вв. н. э., когда Рим достиг вершины своего могущества. В таких скульптурах, как мраморная статуя Октавиана Августа, первого римского императора, представленного в доспехах полководца, в торжественно величавой позе, мастер сочетал по-римски точную трактовку лица с идеализированно могучей фигурой греческого атлета.

Власть императоров прославляли и грандиозные памятники архитектуры, которыми украсились Рим и другие города империи в I-III вв. н. э. К числу наиболее выдающихся творений римского зодчества принадлежат гигантские акведуки - водопроводы, строгие и величественные мемориальные арки, прославляющие победы властителей Рима, прекрасно спланированные ансамбли городов, знаменитые императорские бани - термы. Мировой известностью пользуются Колизей (самый большой амфитеатр древнего мира, где происходили кровавые гладиаторские бои) и 38-метровая колонна императора Траяна, покрытая 700-метровой лентой скульптурного рельефа, который запечатлел важнейшие эпизоды войн римлян с даками в начале II в. н. э. Храм всех богов Римской империи - Пантеон, построенный во II в. н. э. при императоре Адриане, был перекрыт куполом диаметром 43 м, который оставался непревзойденным до 2-й половины XIX в. и послужил образцом купольной постройки для всех последующих веков. Высокого расцвета достигли в Риме ювелирное искусство, фресковая живопись и мозаика, о чем свидетельствуют, например, дома богатых рабовладельцев, открытые при раскопках Помпеи, города, погибшего от извержения Везувия в 79 г. н. э.

Колизей.
75-80 н. э. Рим.

К вершинам античного реализма можно отнести галерею скульптурных портретов, созданную римскими скульпторами I-III вв. н. э. Их отличает глубокое постижение основных особенностей характера человека, сложного мира его чувств и мыслей. Римские портреты - это своеобразная биография эпохи, запечатленная в неповторимых художественных образах.

Творческое наследие Древнего Рима, достижения его архитекторов, скульпторов, живописцев, мастеров декоративно-прикладного искусства - последняя, яркая страница в истории античного искусства, во многом определившего пути эволюции искусства от Средневековья до наших дней.

1. Особенности античного искусства. Античное искусство - начальный этап развития европейской художественной культуры и в частности письменной литературы. Оно выдвинуло художественную концепцию: герой живет и борется в прекрасном и трагическом мире, полном роковых обстоятельств.

Античность нашла гармоничное сочетание общего и индивидуального в характере и гармоничное единство характера и обстоятельств. Эта гармония способствовала развитию и комического и трагического в искусстве. Возникла тема социального бессмертия погибающего героя и не-

возместимости его утраты, что создавало исключительно благоприятную возможность для развития жанра трагедии.

В античном искусстве гармонично сочетались характеры и обстоятельства, но обе стороны этого нерасторжимого единства были еще не развиты. Характеры не были индивидуализированы, обстоятельства не были всеобщими. Неразвитость обеих сторон в этом единстве была внутренней причиной его распада. Внешней (= жизненной, побудительной) причиной - в конечном счете стали факторы, которые привели к гибели античного общества.

Все греческое искусство классической поры - поиск всеобщей гармонии, соразмерности скульптурных фигур, пропорции частей зданий, соответствия человека и архитектуры. По Аристотелю, прекрасному присущи величина, пропорции, порядок. Он пишет: «...ни чрезмерно малое существо не могло бы стать прекрасным, так как обозрение его, сделанное в почти незаметное время, сливается, ни чрезмерно большое, так как обозрение его совершается не сразу, но единство и целостность его теряются» (Аристотель. Поэтика. 7, 1451а). Прекрасное - не слишком большое и не слишком маленькое Это по-детски наивное суждение содержит в себе гениальную идею. Красота здесь выступает как мера, а мера всего - человек. Именно в сравнении с человеком прекрасный предмет не должен быть «чрезмерным». Аристотелевская концепция - теоретическое соответствие гуманистической практике античного искусства. Греческий Парфенон, например, в отличие от египетской пирамиды, не слишком большой и не слишком маленький: он достаточно большой, чтобы выразить величие афинян, его создавших, и достаточно маленький, чтобы не подавлять человека.

Фенелон («О древних и новых») замечает, что Гомер изобразил богов в соответствии с греческой религией, он не выдумал эти образы, а нашел их у народа. Гомер порою отталкивает простотою изображаемых им нравов. Но нет ничего лучше жизни первобытных людей. Простота древних лучше нашей роскоши. Занятия Навзикай, по Фенелону, предпочтительней интриг женщин нашего времени и лучше бедная Итака Улисса, чем современный роскошный город. По Фенелону, искусство определяется нравственным духом народа. Нравы греков более способствовали развитию поэзии, чем, например, нравы тевтонов.

Реальность, окружающая человека античности, была для него вселенной. Обстоятельства вокруг героя суть состояние мира. Сам герой был равен этому миру, так как полно вбирал его в себя. Сатира была направлена против всех нарушений гармонии внутри человека и вокруг него.

Искусство античности

Материалы Института Открытое общество, самарского отделения

Крито-микенский период

Крито-микенская культура, иногда называемая также эгейской, существовала на островах Эгейского моря (Крит, Фера, острова Кикладского архипелага), в материковой Греции (Микены, Тиринф, Пилос) и на западном побережье Малой Азии (Троя). Ее расцвет приходится на II тыс. до н. э. Основной исторической особенностью крито-микенской или эгейской культуры является то обстоятельство, что она являлась своеобразным связующим звеном между Древним Востоком и собственно Грецией.

На рубеже III-II тыс. до н. э. на острове Крите впервые на территории Европы складывается государство и возникают протогородские центры: Кносс, Фест, Маллия. Вместе с тем, Крит становится значительнейшим центром античной культуры.

В критской архитектуре преобладали обширные дворцовые комплексы, что было связано с ведущей ролью дворца в экономической и политической жизни древнейшего населения острова.

Среди этих комплексов выделялся своими масштабами (общая площадь 16 тыс. кв.м) и свободной, усложнённой планировкой Кносский дворец. Он создавался в течение нескольких столетий. Стены комнат были украшены декоративными росписями.

Особое место в сюжетике росписей дворца занимают изображения женщин-акробатов, прыгающих через быка или танцующих у него на спине. По всей видимости это каким-то образом было связано с культовой, обрядовой стороной критской религии, ибо бык всегда почитался на Крите как священное животное (вспомним мифического Минотавра - получеловека-полубыка).

Начиная приблизительно с 1700 г. до н.э. центр эгейской культуры постепенно перемещается на материк, где возникает так называемая микенская культура, несомненно, испытавшая влияние критской или минойской цивилизации.

Культура материковой Греции отличалась от критской большей суровостью и мощью, хотя и имела с нею много общего. Возводились оборонительные «акрополи» («верхний город»). В развалинах акрополей, особенно в Микенах, столице легендарного Агамемнона, найдено большое число предметов из золота и серебра весьма тонкой работы: кубки, вазы, золотые маски (в том числе так называемая «маска Агамемнона»).

Гомеровский период

К ХII веку до н. э. дворцовые комплексы как на Крите, так и в материковой Греции перестали существовать. Чаще всего, этот упадок объясняют вторжением в Грецию с севера дорийских племён, которые разрушили дворцы и связанную с ними культуру. Эти племена также являлись греко-язычными, но стояли на явно более низком уровне социально-экономического и культурного развития. С их приходом начинается новый этап в истории древней Греции.

Своего рода предварением его являлся так называемый « гомеровский период » название которого было связано с именем легендарного Гомера, перу которого приписывают поэмы « Илиада » и « Одиссея », рассказывающие о событиях Троянской войны и после её окончания. Зародившаяся в гомеровский период монументальная архитектура, сохранившаяся в развалинах, представляет собой переработку типа микенского мегарона. Однако в целом утончённый, динамичный, образный строй искусства эгейского мира был чужд сознанию тогдашних греков.

Несмотря на некоторый культурный спад в древней Греции гомеровского периода по сравнению с крито-микенской эпохой, к концу VIII в. до н.э. возникли все предпосылки для того культурного переворота, который объясняют так называемое « греческое чудо » или культурный феномен греков.

Период архаики

VII-VI вв. до н. э., так называемый период архаики, отмечены важнейшими сдвигами как в истории, так и в искусстве древней Греции. Рост городов в Греции вызывает расширение строительства. В этот период происходит складывание системы архитектурных ордеров, которая легла в основу всей античной архитектуры. Ещё ранее был создан тот тип здания, который в дальнейшем воплотил мир чувств и идей свободных граждан греческого полиса. Таким зданием стал храм, посвящённый богам или героям, центр всей политической и культурной жизни города. Храм был хранилищем общественной казны и художественных сокровищ, площадь перед ним часто являлась местом собраний и празднеств. Храм воплощал идею единства гражданского коллектива города, незыблемость его общественного уклада.

Классическим типом греческого храма стал «периптер» (оперённый) - храм, имевший прямоугольную форму в плане и окружённый со всех сторон колоннадой. В результате весьма длительной эволюции сложилась ясная и цельная архитектурная система, которая позднее, уже у римлян, получила название «ордера» (строй, порядок).

В архаическую эпоху греческий ордер сложился в двух основных вариантах - дорическом и ионическом. Поскольку речь зашла об ордерах, мы приведем все пять известных в античности, которые окончательно сформировались на основе греческих во времена римской античности. Это совмещение мы сделаем для удобства сравнения этих ордеров.

Тосканский ордер. Самый прочный тяжелый на вид из пяти ордеров римской системы. Часто рассматривается как вариант дорического ордера, к которому близок по форме и пропорциям. Форма тосканского ордера заимствована из архитектуры этрусков, откуда и происходит название. Он символизировал физическую мощь и силу, а потому применялся в хозяйственных и военных постройках.

Дорический ордер. Самый прочный и тяжелый на вид из трех ордеров греческой системы, второй по прочности в римской системе ордеров. В архитектурно-теоретических трактатах со времен Витрувия дорическую колонну было принято интерпретировать как образ героя, а сам ордер - как выражение его силы, духовной и физической. Такая символика обычно ограничивала употребление дорического ордера в постройках. Сочетаясь на одном фасаде с другими ордерами, дорический как «тяжелый ордер» помещался внизу.

Ионический ордер. Один из ордеров, общий для греческой и римской систем. Средний по тяжести. У Витрувия ионическую колонну принято было интерпретировать как образ прекрасной зрелой женщины, а ионический ордер - как выражение ее грации. Помещался на общем фасаде между дорическим и коринфским.

Коринфский ордер. Самый легкий и стройный из трех ордеров греческой системы. Не определен по признаку тяжести в римской системе. Витрувий определял коринфскую колонну как образ прекрасной девушки, а сам ордер - как выражение ее нежности и чистоты. Его применяли в постройках, связанных с его содержанием. В многоэтажных постройках коринфский ордер занимает верхнюю позицию.

Композитный ордер. Ордер, возникший в Древнем Риме. Его пропорции во всем совпадают с коринфским. Капитель коринфского может быть дополнена четырьмя ионическими валютами, иногда в нее вводятся рельефные детали, скульптурные изображения. В более широком смысле композитным ордером называют любые смешанные ордера.

В это время греческая скульптура открывает новые стороны мира. Ее высшие достижения относятся к разработке образа человека в статуях богов и богинь, героев, а также воинов - так называемых « куросов ».

Образ куроса - сильного мужественного героя - был порождён в Греции развитием гражданского самосознания. Развитие типа куроса шло в сторону выявления всё большей правильности пропорций, преодоления элементов геометрического упрощения и схематизма. К сер. VI в. до н.э., т.е. к концу периода архаики, в статуях куросов точнее вырисовывается строение тела, моделировка форм и, что особо замечательно, лицо оживляется таинственной улыбкой, которая называется в искусствоведении « архаической ». Одним из достижений архаического искусства Афин были найденные на Акрополе статуи девушек в нарядных одеждах, так называемые « коры ». Статуи кор как бы подводят итог скульптурному развитию архаики.

Классика

С первых десятилетий V в. до н. э. начинается классический период в развитии древнегреческой культуры. Совершенное, исполненное возвышенного реализма искусство греческой классики явилось важным этапом в развитии всей мировой художественной культуры.

Наибольшее распространение в архитектуре ранней классики получают храмы дорического ордена, соответствующие духу гражданственности, героике полиса.

Поиск героических, типически обобщённых образов и новых мотивов движений характеризует творчество Мирона из Элефтер. Он был одним из первых греческих скульпторов, которому удалось полностью освободиться от архаической условности. Особенности искусства Мирона особенно наглядно проявились в прославленном « Дискоболе » (около 450 г.).

Таким образом, к сер. V в. до н. э. образ гражданина - атлета и воина - становится центральным в искусстве. Пропорции тела и многообразные формы движения становятся важнейшим средством характеристики. Постепенно и лицо изображаемого человека освобождается от застылости и статичности. Однако ещё нигде типическое обобщение не сочетается с индивидуализацией образа. Личное своеобразие человека, склад его индивидуального характера не привлекали ещё внимания мастеров ранней греческой классики.

Вторая половина V в. до н.э. - время расцвета всех видов искусства и наиболее гармоничного воплощения эстетических идеалов классики. Этот период называется в специальной литературе эпохой высокой классики. Ведущее место среди полисов Греции продолжают занимать Афины, которые в период правления знаменитого Перикла переживают «золотой век» своего экономического, политического и культурного развития.

При Перикле создаётся самый замечательный из ансамблей классической эпохи - Афинский акрополь, который господствует над городом и его окрестностями. Разрушенный во время персидского нашествия, акрополь был отстроен заново с невиданным до того размахом.

Центральным элементом архитектурного ансамбля Акрополя был Парфенон - храм Афины Девы - покровительницы Афин. Он являлся основным святилищем афинян, и там же находилась общественная казна.

Склон акрополя был использован для возведения театра Диониса. Планировка и постройка акрополя были выполнены под общим руководством величайшего скульптора Греции - знаменитого Фидия (вторая и третья четверти V в. до н.э.).

Билет 1

Античное искусство. Общая характеристика. Этапы развития. Римская империя. Греция.

Понятие античности в культуре возникло в эпоху Возрождения. Так итальянские гуманисты называли самую раннюю культуру из известных им. Это название сохранилось за ней и поныне как привычный синоним классической древности, точно отделяющий греко-римскую культуру от культурных миров древнего Востока.

Античная культура космологична и основана на принципе объективизма, в целом для нее характерен рациональный (теорийный) подход к пониманию мира и в то же время эмоционально-эстетическое его восприятие, стройная логика и индивидуальное своеобразие в решении социально-практических и теоретических проблем.

Сложный и многообразный исторический материал принято делить на несколько периодов, согласно которым строится история искусства:

1. Древний период – Эгейская культура (30 -20 вв. до н.э.)

2. Гомеровский период (11 – 8 вв. до н.э.)

3. Период архаики (7 – 6 вв. до н.э.)

4. Период классики (5в. – до последней трети 4 в. до н.э.)

5. Эллинистический период (последняя треть 4 в. – 1 в. до н.э.)

6. Период развития племён Италии – Этрусская культура (8 – 2 вв. до н.э.)

7. Республиканский период Древнего Рима (5 -1 вв. до н.э.)

8. Императорский период Древнего Рима (1 – 5 вв. н.э.)

Источники античной истории сравнительно скудны и делятся в основном на две группы, вещественные и письменные. Для древнейших периодов античной истории памятники материальной культуры и искусства являются главным, а иногда и единственным источником. Для более поздних этапов истории рабовладельческого общества важнейшую роль играют письменные источники, включающие официальные и частные документы, письма, мемуары, речи, а также историческую, художественную, научную и философскую литературу.

· предшествующий период - Эгейское искусство (Крито-Микенское искусство) - ХХХ в. до н.э. - XII в. до н.э.

· Ахейско-минойское искусство

1. Геометрический период («Гомеровская Греция») - ок.1050 г. до н.э.-VIII в. до н.э.

1. Протогеометрика (Субмикенский период) - ок.1050 г. до н.э.- ок. 900 г. до н.э.

2. Геометрика (расцвет) - ок.900 г. до н.э.- ок. 750 г. до н.э.

3. Поздний геометрический период (Депилон) - ок.750 г. до н.э.- нач. VII в. до н.э.

2. Архаический период - VII в. до н.э.- нач. V в. до н.э.

1. Ранняя архаика - нач. VII в. до н.э. - 570-е гг. до н.э.

2. Зрелая архаика - 570-е гг. до н.э. - 525-е гг. до н.э.

3. Поздняя архаика - 525-е гг. до н.э. - 490-е гг. до н.э.

3. Классический период - V в. до н.э.- сер. IV в. до н.э.

1. Ранняя классика («Строгий стиль») - 1-я пол. V в. до н.э.

2. Высокая классика - 2-я пол. V в. до н.э.

3. Поздняя классика - IV в. до н.э.

4. Эллинистический период - сер. IV в. до н.э. - I в. до н.э.

Эпоха геометрики

Амфора в позднем геометрическом стиле, ок. 725-700 гг. до н.э.,Лувр

· Эпоха получила название по виду вазописи.

Для древнегреческой культуры этого периода характерна связь с культурой ахейцев и, через них - с крито-микенским искусством.

В этот период идет процесс ученичества, базирующегося на эгейском и древневосточном наследии. Новые племена, пришедшие на полуостров, начинают заново, используя то, что было оставленно на занятых территориях предшественниками. В архитектуре эллины геометрического периода начинают с нуля - с сырцового кирпича (предшествующему периоду была свойственна циклопическая кладка). Мегарон эволюционирует из дворца в храм: на месте старых мегаронов появляются новые греческие святилища, повторяющие их типологию. Постройки, сырцово-деревянная архитектура, с перекрытиями вальмового типа, как правило, прямоугольные, узкие и вытянутые, могли раскрашиваться.

· Храм Аполлона Карнейского на о.Фера - создан на основе существовавшего ранее мегарона.

· Храм Артемиды Орфии в Спарте.

· Храм Аполлона в Фермосе (Ферме).

Лучше всего представлена живопись, давшая название периоду. Её стиль отталкивается от геометризированности, свойственной поздней эгеике. В протогеометрике начинает использоваться инструменты - циркуль, линейка. В расцвет геометрики превалируют в основном закрытые сосуды, вся поверхность которых покрывается геометрическим орнаментом. Начинают формироваться специфически греческие черты: регистровость росписи, а также узоры - меандры, зубцы, треугольники, волны, сетки.

Поздняя геометрика

Конь, бронза, Олимпия, ок. 740 г. до н.э. Лувр

Эпоха поздней геометрики получила название «депилонской» по сосудам, найденным у Депилонских ворот в Афинах. Начинают делать ленточные вставки на наиболее ответственных чертах, использовать большие фигуративные композиции, появляются изображения геометризированных животных. Улучшается качество гончарных изделий, появляются крупные формы. Центры - в Аргосе, Беотии, Аттике. Росписи осуществляются с использованием коричневого лака (наследие ахейцев). В поздний период начинают добавлять пурпур и белила. В рисунках появляется т.н. ковровое решение.

Изображения человека выполняются практически по древнеегипетскому канону. Очень любят изображение коней. Появляется лащение поверхности ваз - проходят жидким разбавленным лаком, получая розовато-золотистый цвет. Направлению свойственна рафинированная стилистика, повышенная тектоничность, замечательное пропорционирование.

Крупных скульптур не сохранилось. Малые формы принято разделять на несколько стилей:

· стиль «тулово» - массивные статуэтки, камень, терракота, расписаны в геометрическом стиле

· стиль «вытянутых конечностей» - металл, большая привязанность к реальным пропорциям.

Архаический период (VII - VI вв. до н.э.)[править | править вики-текст]

7 в. до н.э.- нач. 5. в. до н.э. Во время архаического периода сложились наиболее ранние формы древнегреческого искусства - скульптуры и вазописи, которые в более поздний классический период становятся более реалистичными. С поздним архаическим периодом связаны такие стили вазописи, как чернофигурная керамика, возникшая в Коринфе в 7 в. до н. э. В керамике постепенно появляются элементы, нехарактерные для архаического стиля и заимствованные из Древнего Египта - такие, как поза «левая нога вперёд», «архаическая улыбка», шаблонное стилизованное изображение волос - так называемые «волосы-шлем». В эпоху архаики формируются основные типы монументальной скульптуры - статуи обнажённого юноши-атлета (курос) и задрапированной девушки (кора).

Скульптуры изготавливаются из известняка и мрамора, терракоты, бронзы, дерева и редких металлов. Эти скульптуры - как отдельно стоящие, так и в виде рельефов - использовались для украшения храмов и в качестве надгробных памятников. Скульптуры изображают как сюжеты из мифологии, так и повседневную жизнь. Статуи в натуральную величину неожиданно появляются около 650 г. до н. э.

Голова куроса, Музей Афинского Акрополя

Эллинизм

Можно выделить 3 периода эллинизма как целостной системы: 1) 334-281 гг. до н. э.- образование империи Александра Македонского и ее распад в результате войн диадохов; 2) 280 г. до н. э.- середина II в. до н. э.- период зрелости эллинизма развивался в последнее столетие существования. 3) Середина II в. до н. э. - 30 г. до н.э. - период упадка эллинизма и его гибели.

Древнегреческие храмы

Главной архитектурной задачей у греков было строительство храмов. Оно породило художественные формы, которые перешли потом к сооружениям различного рода. В течение всей исторической жизни Древней Греции её храмы сохраняли один и тот же основной тип, впоследствии усвоенный и Древними римлянами. Греческие храмы не походили на храмы Древнего Египта и Востока: это были не колоссальные, внушающие религиозный страх таинственные капища грозных, чудовищных божеств, а приветливые обиталища человекоподобных богов, устроенные наподобие жилищ простых смертных, но более изящные и богатые.

Если верить Павсанию, первоначально храмы строились из дерева. Потом их стали сооружать из камня, однако сохранились некоторые элементы и приёмы деревянного зодчества. Греческий храм представлял собой здание в основном умеренных размеров, стоявшее внутри священной ограды на фундаменте из нескольких ступенях и представлявшее в простейшем своём виде сходство с продолговатым домом, имеющим в плане два сложенные вместе квадрата и двускатную, довольно отлогую крышу; одна из коротких его сторон не выходила наружу стеной, которую здесь заменяли две пилястры по краям и стоящие в пролёте между ними две (иногда 4, 6 и т. д., но всегда чётные числом) колонны, слегка отступив вглубь здания (обыкновенно на ⅓ квадрата), оно было перегорожено поперечной стеной с дверью в середине, так что получалось что-то в роде крыльца или крытых сеней и внутреннее, замкнутое со всех сторон помещение - святилище, где стояла статуя божества, и куда никто не имел права входить, кроме жрецов. Подобное здание называют «храмом в пилястрах». В некоторых случаях совершенно такое же крыльцо, как и с переднего фаса, устраивалось и с противоположной стороны. Пилястры и колонны сеней подпирали потолок и крышу, причём последняя образовывала над ними трёхугольный фронтон.

Архаика

К этому периоду относятся скульптуры, созданные в период с 7 века до нашей эры до начала 5 века до нашей эры. Эпоха подарила нам фигуры обнаженных воинов-юношей (куросы), а также множество женских фигур в одежде (коры). Для архаических скульптур характерна некоторая схематичность, непропорциональность. С другой стороны, каждая работа скульптора притягательна своей простотой и сдержанной эмоциональностью. Для фигур этой эпохи характерна полуулыбка, придающая работам некоторую загадочность и глубину.

"Богиня с гранатом", которая хранится в Берлинском государственном музее, одна из наиболее сохранившихся архаических скульптур. При внешней грубоватости и "неправильных" пропорциях, внимание зрителя привлекают руки скульптуры, выполненные автором блестяще. Выразительный жест скульптуры делает ее динамичной и особенно выразительной.

"Курос из Пирея", украшающий коллекцию Афинского музея, представляет собой позднее, а значит более совершенное произведение древнего скульптора. Перед зрителем мощный молодой воин. Легкий наклон головы и жесты рук говорят о мирной беседе, которую ведет герой. Нарушенные пропорции уже не так бросаются в глаза. А черты лица не так обобщены, как у ранних скульптур архаического периода.

Классика

Скульптуры именно этой эпохи большинство ассоциирует с античным пластическим искусством.

В эпоху классики были созданы такие известные скульптуры, как Афина Парфенос, Зевс Олимпийский, Дискобол, Дорифор и многие другие. История сохранила для потомков имена выдающихся скульпторов эпохи: Поликлет, Фидий, Мирон, Скопас, Пракситель и многие другие.

Шедевры классической Греции отличаются гармонией, идеальными пропорциями (что говорит об отличных знаниях анатомии человека), а также внутренним содержанием и динамикой.

Именно классический период характерен появлением первых обнаженных женских фигур (Раненая Амазонка, Афродита Книдская), которые дают представление об идеале женской красоты расцвета античности.

Эллинизм

Поздняя греческая античность характеризуется сильным восточным влиянием на все искусство в целом и на скульптуру в частности. Появляются сложные ракурсы, изысканные драпировки, многочисленные детали.

В спокойствие и величественность классики проникает восточная эмоциональность и темперамент.

Афродита Киренская, украшающая римский музей Терм, полна чувственности, даже некоторого кокетства.

Самая известная скульптурная композиция эпохи эллинизма - Лаокоон и его сыновья Агесандра Родосского (шедевр хранится в одном из музеев Ватикана ). Композиция полна драматизма, сам сюжет предполагает сильные эмоции. Отчаянно сопротивляясь змеям, посланным Афиной, сам герой и его сыновья словно понимают, что участь их ужасна. Скульптура выполнена с необыкновенной точностью. Фигуры пластичны и реальны. Лица героев производят сильное впечатление на зрителя.

Римская империя

Для искусства Римской империи характерно, прежде всего, создание изображений императора - статуй и портретных работ. Зачастую образцом для подражания служили статуи эпохиГреческой классики. Вообще, влияние греческого искусства приобретает небывалую силу, особенно в конце I века до нашей эры. В греческой скульптуре римские мастера нашли тот пластический язык и те приемы героизации, которые наиболее отвечали требованиям эпохи начала Империи.

Архитектура Древнего Рима

Римское строительство было новаторским. Хотя оно пользовалось достижениями эллинистического зодчества (с его разработанной пространственностью), все равно оно проводит в жизнь свою концепцию, с новым подходом к пространству и архитектурной форме. Архитектуру питали практические и идеологические интересы республики, поэтому прогресс строительной техники шел так быстро, в особенности касательно конкретных задач (водопровод, очистные сооружения, опорные стены, военные машины, лагеря). В позднюю республику уже ощущается потребность украшать город.

Основой архитектуры Рима была арка, которая дает цилиндрический свод и крестовый свод. Эта устойчивая система взаимопогашающих сил позволяет перекрывать большое пространство и разграничивать их. Арка приводит к изобретению купола.

Римский театр также зависит от древнегреческого, но римляне не использовали естественные склоны холма, а строили на ровном месте в форме большого каменного кольца. Орхестра постепенно утрачивает свое значение, превращаясь в vip-места. Задняя стена (скена) становится архитектурным строением. Любовь к гладиаторским боям привело к возникновению амфитеатров круглой и овальной формы путем сочетания двух зеркальных полусфер.

Другая разновидность августовской архитектуры - триумфальная арка (например, в Римини, Аосте, Сузе), ведущая историю от этрусской арки, дополненной классическими элементами. Выделение арки в самостоятельный тип памятника - признак желания римлян воплощать идеологические ценности основы государства. Вообще, само понятие монумента, такое важное для всей римской архитектуры, «связано с желанием установить конкретную связь между историческим прошлым, настоящим и будущим, выразив, в осязаемых и непреходящих формах незыблемость идеологических устоев» [

Амфитеатр Флавиев - Колизей, стал символом города. Особое идеологическое значение он приобрел на тысячелетия. Цирковые состязания, которые там происходили, одновременно были и «триумфальным шествием», постоянно разворачивавшимся на глазах у публики. Амфитеатр на 45 тыс. зрителей был тщательно продуман, транспортные и пешеходные потоки разделены. Колизей доминировал над пейзажем, завершал монументальную перспективу города. Впервые здание было задумано с учетом его роли в планировке города, в соотношении к окружающей городской среде.

Стенопись

Рельеф Алтаря Мира

В римской архитектуре стена играет роль разграничителя пространства, кроме того, она оказывает пространство на воздушную среду перед ней. Аналогично дно бассейна обуславливает цвет водной глади. Стена была не твердью, а пространством с воображаемой глубиной, поэтому служила местом изображения природы, истории, мифов, была будто «экраном для проецирования».

Типичный пример - Алтарь Мира, построенный при Августе. На его 4 сторонах - рельефы с растительными орнаментами, фигурами. Выступающие части барельефа взаимодействуют с пространством, светом, воздухом, прочие слои способствуют иллюзорному разрушению физической плоскости, созданию воображаемой глубины. Плоскость оказывается «соединительной мембраной» между естественным и воображаемым пространствами.

Римская живопись

«Свадьба Альдобрандини» (фрагмент)

Станковая живопись Рима не сохранилась, но известна по источникам. Единственные примеры - изображения, включенные в настенные росписи Помпеи и Геркуланума. Живопись для древних являлась средством передачи образов и от неё не требовалось обладать корпусностью и пластической грузностью. Она сводилась к уравновешенности цветовых пятен, света и традиции и обращается к греческим образцам.

На помпейской Вилле Мистерий сохранился фриз, изображающий ритуальную церемонию. Фигуры выделяются на фоне красной стены, которая подчеркивает их точные контуры с классической простотой. Контуры создаются не линиями, а цветовыми контрастами, и при этом художник стремится не к обозначению рельефности их тел, а к фиксации их образов, проецированию этих бесплотных образов на плоскость стены. Эти росписи основаны на подражании эллинистическим образцам. Но свидетельство их римского происхождения - подчеркнуто натуралистическая трактовка, огрубление образа (как бывало и у этрусков). В пейзажах и особенно портретах образ утрировался для большего правдоподобия. В пейзажах применяются приемы для иллюзорной передачи. В изображении сада на вилле Ливии в Риме - прямо настоящий инвентарь растений. Художник воплощает в красках умозрительный образ природы, для передачи которого подходит обобщающая, беглая, эскизная техника. Эта техника становится ещё боле беглой в раннехристианских росписях катакомб, где символические изображения святых вообще не имеют связи с реальным миром.

Создавая портреты, римские художники также отталкивались от определенного «типа», который затем наделяется специфическими особенностями индивидуального лица. На фаюмских портретах лица изображались в фас с широко раскрытыми глазами, что свидетельствует об их «жизни». Таким образом применяется выделение той или иной физиономической особенности. Метод изображения отталкивается не от натуры, а от представления о типе лица, от которого потом идет движение к натуре, движение от общего к частному, не вступая в контакт с реальностью.

Скульптура

Римская скульптура испытала большое воздействие со стороны греческой скульптуры, чему способствовало влияние этрусков, а также наличие в Риме греческих мастеров и копий с классических скульптур. Римский скульптурный портрет отличается реализмом от эллинистического и этрусского, что особенно заметно в римских погребальных масках.

Портретные бюсты с I в. до н. э. занимаются не только сходством, но и отражением жизненного пути человека. Однако сходство получается чрезвычайным. Небольшая неправильность - чуть большая изогнутость бровей или складка губ - помогает придать портрету вернейшее сходство. Этот прием сохраняется даже в официальных портретах. Портрет является методом сохранения истории.

Колонна Траяна (113 г. н. э.) создана спиралью рельефов с рассказом о военных подвигах императора. 200-метровая лента показывает эпизоды 2 кампаний в Дакии. События не подразделяются на кульминационные, движение оживленные - но не резкие. Пейзаж передается деталями - волной или куском стены. Обычные пропорции не используются.

При императоре Коммоде - новая попытка вдохнуть жизнь в придворное течение, ещё более слабая и «маньеристичная». При Галлиене - пластическое искусство приобреает оттенок ностальгии по строгому классицизму Августа, идеалу добрых старых времен. Однако придворное искусство все больше уступает напору провинциальных веяний, которые лучше удовлетворяют запросы пестрого и расслоившегося общества, полного разных учений.

Саркофаг, 170 год

Мода на саркофаги с сюжетными рельефами стала утверждаться при Адриане. Позже она распространяется все сильнее из-за огромного количества в Риме мастерских. Сюжеты используются разные - исторические, мифологические, аллегорические; они черпатюся из уже утратившего актуальность репертуара классики. Их воспроизводят по памяти, дополняя деталями, зависящими от автора или заказчика. Обычно это обобщенно элегические темы о скоротечной жизни и неизбежной смерти. Этот поэтический настрой ведет к нарушению классических канонов. Композиция разная: повествование либо ведется непрерывно, либо подразделяется: горизонтально - на ленты, вертикально - на ниши или эдикулы.

Организация пространства

Любая ландшафтная композиция состоит из элементов следующих типов:

· проектируемые (площадки, аллеи, дорожки)

· объемные (растения, кусты, деревья, здания, рельеф и т.д.)

· плоскостные элементы (ровные, газоны, лужайки, водоемы)

Сочетание цветов

Цвет является одним из главным инструментов, с помощью которого композиция ландшафтного дизайна становится более выразительной. Наибольшая сложность здесь заключается в необходимости учесть, что при смене сезонов и росте растений, их цвет меняется. Зимой обычные деревья теряют листву и их окраска определяется только цветом ствола и ветвей, в отличии от летнего периода. Обычно фоном пейзажа становятся газоны из травы, меняющие свою окраску с апреля по сентябрь. Помимо цвета, важной характеристикой предметов является также и их фактура, под которой понимается характер их поверхности.

Билет 2

Изобразительное искусство

Скульптуры в соборе святых Мауритиуса и Катарины в Магдебурге,Германия

Перспективный портал Кёльнского собора

Скульптура

Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики.

Взаимоотношение скульптуры и архитектуры в готике иное, чем в романском искусстве. В формальном отношении готическая скульптура гораздо более самостоятельная. Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период. В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Но при этом готическая скульптура - неотъемлемая часть ансамбля собора, она - часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитектурными элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл. И, создавая импульсивную светотеневую игру, она в свою очередь оживляет, одухотворяет архитектурные массы и способствует взаимодействию их с воздушной средой.

Скульптура поздней готики испытала большое влияние итальянского искусства. Примерно в 1400 г. Клаус Слютер создал ряд значительных скульптурных работ для Филиппа Бургундского, такие как Мадонна фасада церкви погребения Филиппа и фигуры Колодца Пророков (1395-1404) в Шаммоле около Дижона. В Германии хорошо известны работы Тильмана Рименшнайдера (Tilman Riemenschneider), Вита Ствоша (Veit Stoß) и Адама Крафта (Adam Kraft).

Живопись

Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. В Англии и Франции переход от романского стиля к готическому произошёл около 1200 г., в Германии - в 1220-х гг., а в Италии позднее всего - около 1300 г.

Неизвестный художник. Иоанн Добрый (1359). Один из первых готических портретов, дошедших до наших дней

Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее - наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.

На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для домашнего употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый «Великолепный часослов герцога Беррийского» (около 1411-1416).

Развивается жанр портрета - вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами .

Завершается почти тысячелетнее господство византийских канонов в изобразительном искусстве. Джотто в цикле фресок Капеллы Скровеньи изображает людей в профиль, помещает на первом плане фигуры спиной к зрителю, нарушая табу византийской живописи на любой ракурс кроме фронтального. Он заставляет своих героев жестикулировать, создаёт пространство, в котором движется человек. Новаторство Джотто проявляется и в его обращении к человеческим эмоциям.

С последней четверти XIV века в изобразительном искусстве Европы господствует стиль, названный позднее интернациональной готикой. Этот период явился переходным к живописи Проторенессанса.

Билет 3

Билет 4

Проторенессанс

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором былАрнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио,Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение.

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего века.

Высокое Возрождение.

Пьета (Микеланджело) (1499): в традиционном религиозном сюжете на первый план вынесены простые человеческие чувства - материнская любовь и скорбь

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новымиАфинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519),Микеланджело Буонаротти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение.

Кризис Возрождения: венецианецТинторетто в 1594 г. изобразил тайную вечерю как подпольную сходку в тревожных сумеречных отсветах

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Архитектура

Главное, чем характеризуется эта эпоха - возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы. Наибольший вклад в развитие ренессансной архитектуры внесли пять мастеров:

Церковь Святого Духа во Флоренции (арх. Ф. Брунеллески)

· Филиппо Брунеллески (1377-1446) - основоположник ренессансной архитектуры, разработал теорию перспективы и ордерную систему, вернул в строительную практику многие элементы античной архитектуры, создал впервые за многие столетия купол(Флорентийского собора), до сих пор доминирующий в панораме Флоренции.

· Леон Баттиста Альберти (1402-1472) - крупнейший теоретик ренессансной архитектуры, создатель её целостной концепции, переосмыслил мотивы раннехристианских базилик времён Константина, в палаццо Ручеллаи создал новый тип городской резиденции с фасадом, обработанным рустом и расчленённым несколькими ярусами пилястр.
Микеланджело Буонарроти (1475-1564) - главный архитектор Позднего Возрождения, руководивший грандиозными строительными работами в папской столице; в его постройках пластическое начало выражается в динамичных контрастах как бы наплывающих масс, в величественной тектоничности, предвещающей искусство барокко (собор Святого Петра, лестница Лауренцианы).

Андреа Палладио(1508-1580) - родоначальник первой фазы классицизма, известной как палладианство; с учётом конкретных условий бесконечно варьировал различные сочетания ордерных элементов; сторонник открытой и гибкой ордерной архитектуры, которая служит гармоничным продолжением окружающей среды, природной или городской (Палладиевы виллы); работал вВенецианской республике.

Костюм Эпохи Возрождения

Невозможно говорить о какой-то особой специальной форме одежды этого периода, можно лишь проследить тенденции в развитии костюмных форм, так как особого костюма эпохи Возрождения не существовало. Выбор платья диктовался кошельком, модой, рангом и декретом правительства.

Одежда отражала социальное положение, не являясь самовыражением личности. Людям полагалось одеваться соответственно общественному положению. Законы, ограничивающие право приобретения роскоши, принятые еще в Средневековье, изменявшиеся на протяжении всего периода Возрождения, предотвращали ношение самых дорогих тканей людям низшего сословия, недопустимой считалась ситуация, когда бюргер выглядел бы как граф. Так же нелепо, если не опасно, было бы для короля выглядеть подобно крестьянину.

Излюбленным цветом был красный. Женщины и мужчины украшали свои платья и пояса бантиками и бубенчиками, поэтому немудрено, что германский костюм этого времени, увешанный бубенчиками, впоследствии сделался достоянием только шутов. Заметно повальное стремление и мужчин, и женщин сделать талию как можно тоньше. Женщины старались достичь своего идеала с помощью шнуровки, которая стягивала одежду наподобие корсета.

Билет 5

Живопись

Никола Пуссен. «Танец под музыку времени» (1636).

Интерес к искусству античной Греции и Рима проявился ещё в эпоху Возрождения, которая после столетий средневековьяобратилась к формам, мотивам и сюжетам античности. Величайший теоретик Ренессанса, Леон Батиста Альберти, ещё в XV в. выразил идеи, предвещавшие отдельные принципы классицизма и в полной мере проявившиеся во фреске Рафаэля «Афинская школа»

Искусство Древней Греции сыграло важнейшую роль в развитии культуры и искусства человечества. Оно было определено общественным и историческим развитием этой страны, глубоко отличным от развития стран Древнего Востока. В Греции, несмотря на наличие рабства, огромную роль играл свободный труд ремесленников, - до тех пор, пока развитие рабовладения не оказало на него своего разрушительного действия. В Греции сложились в рамках рабовладельческого общества первые в истории принципы демократии, давшие возможность развиваться смелым и глубоким идеям, утверждающим красоту и значимость человека.

При переходе к классовому обществу, в Древней Греции сформировался ряд небольших городов-государств, так называемых полисов. Несмотря на наличие многочисленных экономических, политических, культурных связей, полисы были независимыми государствами и вели каждый свою политику.

Этапы развития искусства Древней Греции:

1. Гомеровская Греция (12-8 вв. до н.э.) - время распада родовой общины и зарождения рабовладельческих отношений. Появление эпоса и первых, примитивных памятников изобразительного искусства.

2. Архаика , или период образования рабовладельческих городов-государств (7-6 вв. до н.э.) - время борьбы античной демократической художественной культуры с остатками и пережитками старых общественных отношений. Сложение и развитие греческой архитектуры, скульптуры, ремесел, расцвет лирической поэзии.

3 Классика , или период расцвета греческих городов-государств (5-4 вв. до н.э.) - период высокого расцвета философии, естествонаучных открытий, развитие поэзии (особенно драмы), подъема в архитектуре и полной победы реализма в изобразительных искусствах. В конце этого периода наступает первый кризис рабовладельческого общества, развитие полиса приходит к упадку, что во второй половине 4 века вызывает кризис искусства классики.

3. Эллинистический период (конец 4-1 вв. до н.э.) - период кратковременного выхода из кризиса путем образования больших империй. Однако, очень скоро наступило неизбежное обострение всех неразрешимых противоречий рабовладения. Искусство теряет дух гражданственности и народности. В дальнейшем эллинистические государства были завоеваны Римом и включены в состав его державы.

Полисы постоянно враждовали друг с другом, правда, объединялись в случае нападения на Грецию общего врага (так было с Персией и Македонией). Каждый гражданин имел право участвовать в управлении государством. Естественно, что и среди свободных граждан были внутренние противоречия, часто выражавшегося в борьбе демоса (народа) против представителей аристократии.

В Древней Греции особенно ценили физическую силу и красоту: были организованы общегреческие состязания в Олимпии (Пелопоннесский п-ов). По олимпиадам велся счет времени, а победителям воздвигали статуи. Большое значение в развитии эстетического восприятия имели театральные представления, первоначально связанные с культовыми празденствами, в том числе в честь покровителей полисов (например, праздник Больших Панафиней для афинян). Религиозные воззрения греков сохранили свою связь с народной мифологией, таким образом религия переплеталась с философией и историей. Характерная черта мифологической подосновы греческого искусства - это ее антропоморфизм, то есть глубокое очеловечение мифологических образов.

Памятники древнегреческого искусства большей частью не дошли до нас в подлинниках, многие античные статуи известны нам по мраморным древнеримским копиям. В эпоху расцвета Римской империи (1-2 вв. н.э.) римляне стремились украшать свои дворцы и храмы копиями прославленных греческих статуй и фресок. Так как почти все крупные греческие бронзовые статуи были расплавлены в годы гибели античного общества, а мраморные - в большей части разрушены, то часто только по римским копиям, обычно еще и неточным, можно судить о ряде шедевров греческой культуры. Греческая живопись в подлинниках также почти не сохранилась. Большое значение имеют фрески позднеэллинистическогохарактера, воспроизводящие иногда более ранние образцы. Некоторое представление о монументальной живописи дают изображения на греческих вазах. Также большое значение имеют пиьменные свидетельства, самые известные из них: «Описание Эллады» Павсания, «Естественная история» Плиния, «Картины» Филостратов, старшего и младшего, «Описание статуй» Каллистрата, «Десять книг об архитектуре» Витрувия.

Искусство Гомеровской Греции

(12 - 8 вв. до н.э.)

Это время отразилось в эпических поэмах - «Илиаде» и «Одиссее», автором которых считают Гомера. В гомеровский период греческое общество в целом сохраняло еще родовой строй. Рядовые члены племени и рода были свободными земледельцами, отчасти пастухами. Рабство имело эпизодический и патриархальный характер, рабский труд применялся (особенно вначале) преимущественно в хозяйстве племенного вождя и военного предводителя - басилевса. Басилевс являлся главой племени, и объединял в своем лице судейскую, военную и жреческую власть. Он управлял общиной совместно с советом старейшин - буле. В наиболее важных случаях собиралось народное собрание - агора.

Зародившаяся в гомеровский период монументальная архитектура древнегреческих храмов использовала и по-своему переработала сложившийся в Микенах и Тиринфе тип мегарона - зала с сенями и портиком. Экспрессивный орнаментальный характер Эгейского мира был чужд художественному сознанию древних греков.

Самыми ранними из дошедших до нас художественными произведениями являются вазы «геометрического стиля», украшенные орнаментом, нанесенным коричневой краской по бледно желтому фону глиняного сосуда. Наиболее полное представление об этом стиле дают дипилонские вазы. Это очень большие сосуды, иногда в рост человека, имели погребальное или культовое назначение. На дипилонских амфорах орнамент особенно обилен: узор чаще всего состоит из чисто геометрических мотивов, в частности плетенки-меандра (меандровый орнамент сохранился на всем протяжении развития греческого искусства). Также применялся схематизированный растительный и животный орнамент.

Важной особенностью более поздних дипилонских ваз является введение в узор примитивных сюжетных изображений со схематизированными фигурами людей. Эти сюжетные мотивы очень разнообразны: обряд оплакивания умершего, состязание колесниц, плывущие суда и т.п.

Скульптура этого периода дошла до нас толь ко в виде мелкой пластики, большей частью культового характера. Это небольшие статуэтки, изображающие богов или героев, из терракоты, слоновой кости или бронзы.

« Конь » и « Геракл и кентавр », Олимпия

«Пахарь », Беотия

«Аполлон», Беотия

Монументальная скульптура гомеровской Греции до нашего времени не дошла. О ее характере можно судить по описаниям древних авторов. Основным видом такой скульптуры были были так называемые ксоаны - идолы, выполненные из дерева или камня.

К 8 веку до н.э. относятся остатки памятников ранней греческой архитектуры.

Храм Артемиды Орфии в Спарте (реконструкция)

Сохранились руины храма в Термосе в Этолии и х рама в Дреросе на Крите. В них использовались некоторые традиции микенской архитектуры, главным образом общий план, подобный мегарону: очаг-жертвенник помещался внутри храма, на фасаде ставились 2 колонны. Наиболее древние из этих сооружений имели стены из сырцового кирпича и деревянного каркаса на каменном цоколе.

Искусство Греческой Архаики

(7-6 вв. до н.э.)

Власть главы племени - басилевса - еще в 8 в. до н.э. была сильно ограничена господством родовой аристократии - эвпатридов, сосредоточивших в своих руках богатство, землю, рабов - а затем, в 7 в. до н.э., исчезла вовсе. Период архаики стал временем ожесточенной классовой борьбы между родовой знатью и народом. Эвпатриды стремились к закрепощению свободных общинников, что могло повести греческое общество по пути восточных рабовладельческих государств. Неслучайно, некоторые памятники этого времени напоминают древневосточное искусство. Полная или частичная победа широкой массы свободных крестьян, ремесленников и купцов привели к учреждению античного варианта рабовладельческого общества.

В течение 7-6 вв. до н.э. расширились греческие поселения - колонии образовались по берегам Средиземного и Черного моря. Особенно большое значение в дальнейшей истории древнегреческой культуры имели поселения в южной Италии и Сицилии - так называемая Великая Греция.

В период архаики складывается система архитектурных ордеров, которая легла в основу всего дальнейшего развития античной архитектуры. В это же время расцветает сюжетная вазопись и постепенно намечается путь к изображению в скульптуре прекрасного, гармонически развитого человека. Также важно сложение лирической поэзии, которое означает интерес к миру личных чувств человека.

Эволюция греческой скульптуры

В целом искусство периода архаики условно и схематично. Античные мифы и сказания становятся предметом широкого отражения в изобразительных искусствах. К концу периода архаики в искусство все чаще стали проникать темы, взятые из реальной действительности. К концу 6 века до н.э. классические тенденции начинают приходить во все большее противоречие с методами и принципами архаического искусства.

Еще в глубокой древности искусство Греции создало новый тип здания, ставший отражением идей народа - греческий храм. Главным отличием от храмов Древнего Востока было в том, что он являлся центром важнейших событий общественной жизни граждан. Храм был хранилищем общественной казны и художественных сокровищ, площадь перед ним была местом собраний и празднеств. Архитектурные формы греческого храма сложились не сразу.

Типы греческих храмов

Храм, поставленный богу, был всегда обращен главным фасадом на восток, а храмы, посвящавшиеся обожествленным после смерти героям, обращались на запад, в сторону царства мертвых. Простейшим и древнейшим типом каменного архаического храма был храм «в антах». Он состоял из одного небольшого помещения - наоса , открытого на восток. На его фасаде, между антами (т.е. выступами боковых стен) были помещены 2 колонны. Для главного сооружения полиса он не подходил, поэтому чаще всего использовался как небольшое сооружение, например, сокровищница в Дельфах:

Более совершенным типом храма был простиль , на переднем фасаде которого были размещены 4 колонны. В амфипростиле колоннада украшала как передний, так и задний фасад, где был вход в сокровищницу. Классическим типом греческого храма стал периптер , т.е. храм, имевший прямоугольную форму и окруженный со всех 4 сторон колоннадой. Основные элементы конструкции периптера просты и глубоко народны по своему происхождению. В своих истоках конструкция восходит к деревянному зодчеству с глинобитными стенами. Отсюда идет двускатная крыша и балочные перекрытия, колонны восходят к деревянным столбам. Архитекторы Древней Греции стремились развить художественные возможности, скрытые в конструкции здания. Так сложилась ясная и цельная художественно осмысленная архитектурная система, которая позднее, у римлян, получила название ордера , что означает порядок, строй.

В эпоху архаики гречески ордер сложился в в двух вариантах - дорическом и ионическом. Это соответствовало двум основным местным школам в искусстве. Дорический ордер воплощал идею мужественности, а ионический - женственности. Иногда в ионическом ордере колонны заменялись кариатидами - статуями одетых женщин.

Греческая ордерная система не была трафаретом, механически повторяющимся в каждом решении. Ордер был общей системой правил, а решение всегда носило творческий индивидуальный характер и сообразовывалось не только с конкретными задачами строительства, но и с окружающей природой, а в период классики - и с другими зданиями архитектурного ансамбля.

Дорический храм-периптер был отделен от земли каменным основанием - стереобатом , который состоял из 3 ступеней. Вход в наос (прямоугольное помещение храма) помещался за колоннадой со стороны главного фасада и был оформлен пронаосом, напоминающим по конструкции портик «храма в антах». Иногда кроме наоса существовал еще опистодом - помещение позади наоса, с выходом в сторону заднего фасада. Наос был со всех сторон окружен колоннадой - «птерон» (крыло, периптер - со всех сторон окрыленный храм).

Колонна была важнейшей частью ордера. Колонна дорического ордера в архаический период была приземистой и мощной - высота равна 4-6 нижним диаметрам. Ствол колонны был прорезан рядом продольных желобов - каннелюр . Колонны дорического ордера не являются геометрически точными цилиндрами, кроме общего сужения кверху они имели на высоте одной трети некоторое равномерное утолщение - энтазис.

Колонна ионического ордера выше и тоньше по своим пропорциям, ее высота равна 8-10 нижним диаметрам. Она имела базу, из которой словно вырастала. Каннелюры, в дорической колонне сходившиеся под углом, в ионической разделены плоскими срезами граней, - от этого количество вертикальных линий как бы удваивалось, а благодаря тому, что желобки в ионической колонне были врезаны глубже, игра света и тени на ней была богаче и живописнее. Капитель имела эхин, образующий 2 изящных завитка.

Система дорического ордера в своих основных чертах сложилась уже в 7 в. до н.э. (Пелопоннес и Великая Греция), ионический ордер сложился к концу 7в. до н.э. (малоазийская и островная Греция). Позднее, в эпоху классики получил развитие третий ордер - коринфский, - близкий к ионическому и отличавшийся тем, что в нем колонны более вытянутые по пропорциям (до 12 нижних диаметров) были увенчаны пышной корзинообразной капителью, составленной из растительного орнамента - стилизованных листьев аканфа - и завитков (волют).

Более ранние храмы нередко имели слишком грузные капители или слишком короткие стволы колонн, соотношение сторон храма часто было непропорциональным. Постепенно все недостатки исчезали.

Храм Геры (Герайон) в Олимпии, 7 в. до н.э.

Храм Аполлона в Коринфе (Пелопоннес), 2 пол. 6 в. до н.э.

В архаической архитектуре нашла свое место раскраска, основными были чаще всего сочетания красного и синего. Раскрашивались тимпаны фронтонов и фоны метоп, триглифы и другие части антаблемента, раскрашивалась и скульптура.

Храмы Ионии, т.е. городов побережья Малой Азии и островов, отличались особенно большими размерами и роскошью убранства. В этом сказалась связь с культурой Востока. Эти храмы оказались в стороне от основной линии развития греческой архитектуры. Архитектура классики разработала все лучшие стороны ионического ордера, но осталась чуждой пышной роскоши, эта черта получила свое развитие только в эпоху эллинизма. Наиболее известный пример архаических храмов Ионии - храм Артемиды в Эфесе (2 пол. 6 в. до н.э.) - диптер, более 100 м в длину

Макет храма в Стамбуле в парке Миниатюрк

Период архаики был периодом расцвета художественных ремесел, особенно керамика. Обычно вазы покрывались художественной росписью. В 7 и особенно в 6 в. до н.э. сложилась система постоянных форм ваз, имевших разное назначение. Амфора предназначалась для масла и вина, кратер - для смешивания во время пира воды с вином, из килика пили вино, в лекифе хранились благовония для возлияний на могилах умерших. Во времена ранней архаики (7в. до н.э.) в греческой вазописи господствовал подражающий Востоку стиль, целый ряд орнаментов был заимствован с Востока. В 6 в. до н.э. пришла так называемая чернофигурная вазопись. Узорный орнамент был вытеснен четким силуэтным рисунком.

Наибольшего расцвета чернофигурная вазопись достигла в Аттике. Название одного из предместий Афин, славившегося в 6 и 5 вв. до н.э. своими гончарами, - Керамик - превратилось в название изделий из обожженной глины.

Кратер Клития, выполненный в мастерской Эрготима (560г. до н.э.) или Ваза Франсуа

Наиболее известный аттический вазописец - Эксекий. Среди его лучших работ рисунок на амфоре, изображающий Аякса и Ахилла, играющих в кости и изображение Диониса в ладье (дно килика):

Вазопись другого не менее известного мастера Андокида известна своими реалистическими мотивами, вступающих порой в противоречие с приемами плоскостной архаической вазописи: амфора с изображением Геракла и Цербера (ГМИИ им. Пушкина).

Росписи поздних чернофигурных ваз дали впервые в греческом искусстве образцы многофигурной композиции, в которой все действующие лица находились в реальной взаимосвязи. По мере нарастания реализма в греческом искусстве в вазописи наметилась тенденция к преодолению плоскостности. Это привело около 530г. до н.э. к целому перевороту в технике вазовой росписи - к переходу к краснофигурной вазописи, со светлыми фигурами на черном фоне. Прекрасные образцы были созданы в мастерской Андокида, но в полную меру все возможности были раскрыты уже в период классического искусства.

Противоречивым было развитие архаической скульптуры. Почти до самого конца архаического периода создавались строго фронтальные и неподвижные статуи богов. К такому типу статуй относится:

Гера с острова Самоса и Артемида с острова Делоса

Богиня с гранатом, Берлинский музей

Восточным духом отличались сидящие фигуры правителей (архонтов ) расставленные вдоль дороги к древнему храму Аполлона (Дидимейону) близ Милета (в Ионии). Эти схематичные, геометрически упрощенные каменные статуи были сделаны очень поздно - в середине 6 в. до н.э. Образы правителей трактованы как торжественные культовые изображения. Такие статуи нередко были колоссальных размеров, также подражая в этом смысле Древнему Востоку. Особенно типичными для периода архаики были прямо стоящие обнаженные статуи героев, или, позднее, воинов - куросы . Появление образа куроса имело большое значение для развития греческой скульптуры, образ сильного, мужественного героя или воина был связан с развитием гражданского самосознания, новыми художественными идеалами. Общее развитие типа куросов шло в сторону все большей верности пропорций, ухода от условной декоративной орнаментальности. Для этого понадобились радикальные сдвиги в человеческом сознании, которые произошли после реформ Клисфена и окончания греко-персидских войн.

Произведения искусства античности примеры. Античное искусство в стиле архитектуры и интерьера

АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО

Новые статьи

Популярные статьи